Le baroque est apparu au Brésil un peu plus tard, au XVIII^e siècle.

Le baroque du Minas Gerais est une version particulière de ce style qui s’est développé dans cette région entre le XVIII^e et le XIX^e siècle.

L’architecture, la peinture, la sculpture sacrée et la musique occupent une place prépondérante dans ce courant artistique. Évoquant la religion dans ses moindres détails, le baroque du Minas Gerais a suivi la tendance de l’art baroque, se développant surtout autour des églises et des confréries.

L’histoire du Minas Gerais commence avec les premières bandeiras de São Paulo qui explorent le territoire au XVI^e siècle, mais c’est à partir de la fin du XVII^e siècle, avec la découverte de gisements d’or et d’autres pierres précieuses, Les premières villes commencent alors à se créer et le territoire est occupé par les bandeirantes et les étrangers attirés par les richesses qu’il pourrait offrir.

Au début, la ville était rattachée à la capitainerie de Rio de Janeiro, mais comme les bandeirantes de São Paulo étaient censés avoir trouvé les mines d’or en 1709, Minas Gerais a rejoint la capitainerie de São Paulo, formant ainsi la capitainerie de São Paulo et Minas Gerais. Ce n’est qu’en 1720 qu’elle est devenue autonome et a pris le nom de Capitainerie de Minas Gerais.

Outre les premiers explorateurs, un grand nombre de membres de la famille royale et d’habitants d’autres régions de la colonie sont arrivés dans la capitainerie, enchantés par les nouvelles concernant l’or qu’elle recelait.

Dès lors, d’innombrables Portugais, dont des artistes, viennent de la métropole dans la colonie à la recherche d’une fortune rapide et apportent avec eux de nombreuses gravures et livres sacrés illustrés qui serviront de référence dans la peinture coloniale.

Les premiers artistes furent les Portugais, qui transmirent leurs techniques et leurs références aux Brésiliens, qui les reproduisirent dans leurs œuvres.

São Paulo n’a pas connu une diffusion aussi splendide du baroque, ce qui laisse penser que l’influence du mouvement est réellement venue de la métropole. Cependant, nous ne pouvons pas sous-estimer les habitants de São Paulo et les autres colons, qui ont certainement apporté des traces de cet art au Minas Gerais, même si celles-ci sont moins nombreuses.

Contrairement à d’autres écoles comme Bahia et Pernambuco, qui étaient beaucoup plus liées au style formel de l’art européen, le baroque du Minas Gerais était caractérisé par la diversité et l’éclectisme.

Le baroque du Minas Gerais n’a pas suivi les normes académiques, privilégiant l’utilisation de couleurs plus uniformes et de traits plus naïfs et plus jeunes.

Avec l’arrivée d’un grand nombre de personnes sur les « nouvelles » terres, des villes comme Sabará, Mariana, Ouro Preto, São João Del Rei et Congonhas do Campo ont commencé à se développer et à construire leurs grands bâtiments, ce qui a nécessité une influence architecturale, en l’occurrence le baroque.

En ce qui concerne l’architecture coloniale dans le Minas Gerais, nous pouvons brièvement mentionner Antônio Francisco Lisboa, plus connu sous le nom d’Aleijadinho, considéré comme le plus grand architecte du baroque brésilien.

Doté d’un talent unique, il reçut de nombreuses commandes des ordres religieux, en particulier des carmélites et des franciscaines. Il conçut l’église Saint-François dans la ville d’Ouro Preto et l’église Bom Jesus de Matosinhos à Congonhas do Campo.

Le sculpteur a toujours utilisé des médaillons et des sculptures, souvent recouverts d’or, et c’est dans le sanctuaire de Matosinhos qu’il a réalisé l’une de ses plus grandes œuvres : les douze prophètes sculptés de manière à ce que leurs gestes soient coordonnés et donnent l’impression d’être en mouvement.

Il est à noter que l’architecture et la peinture baroques sont intrinsèquement liées, car de nombreuses productions iconographiques ont vu le jour grâce aux grands plafonds et aux murs des bâtiments, principalement des églises, qu’il fallait décorer. Les peintres sont alors entrés en scène pour réaliser les ornements.

Aleijadinho et le peintre Manuel da Costa Ataíde ont travaillé sur l’église Saint-François d’Assise à Ouro Preto.

Ce qu’il faut souligner dans le cas de la peinture baroque coloniale du Minas Gerais, c’est que l’utilisation de modèles européens était courante pour les peintres de l’époque. Cependant, ils ne peuvent être considérés comme de simples copistes, dépourvus de créativité et de talent.

L’imitation se définirait plutôt comme l’invention d’une œuvre différente, mais sans dissimuler le modèle, car l’appréciation de l’œuvre par l’artiste était souvent telle qu’il voulait l’égaler ou la dépasser.

La question de l’utilisation des copies est peut-être un peu différente au Brésil, bien que cette première hypothèse ne doive pas être exclue.

Pour que l’art ou la littérature parvienne dans la colonie brésilienne, il fallait d’abord que l’œuvre soit évaluée au Portugal, qui pouvait la censurer et l’empêcher d’entrer en Amérique.

La plupart des ouvrages arrivés en Amérique avec l’approbation des Portugais étaient de nature religieuse, comme les missels, les bibles et d’autres livres sacrés.

Beaucoup de ces livres étaient accompagnés d’illustrations de passages bibliques et des événements religieux les plus importants de l’imaginaire chrétien.

La plupart des artistes du Minas Gerais étant financés par des ecclésiastiques, des paroisses et des confréries, il leur revenait de produire des œuvres orientées vers le catholicisme, en utilisant les gravures dont ils disposaient. tirées de livres religieux. Il valait mieux copier ce qui avait déjà été approuvé par le Portugal plutôt que d’essayer d’innover et d’attirer les foudres des inspecteurs de la colonie.

C’est peut-être aussi là qu’intervient le sentiment d’émulation chez l’artiste de l’autre côté de l’océan Atlantique, l’admiration pouvant conduire à l’envie de faire quelque chose de semblable pour être aussi beau.

Ces facteurs ont conduit un même artiste à produire des œuvres hétérogènes, les estampes dont il s’est inspiré provenant de peintres différents.

Manuel da Costa Ataíde, ou Maître Ataíde, est l’un des artistes qui ont utilisé d’autres œuvres pour composer leurs productions.

Né à Mariana vers 1762, on sait peu de choses sur sa vie.

La grande caractéristique de ses peintures réside dans son utilisation remarquable de la perspective, comme dans ces colonnes qui semblent avancer vers le ciel en interaction avec des anges et des saints. On retrouve ce style dans les plafonds des églises et dans des œuvres isolées.

Le déclin du baroque n’a pas signifié la fin des arts plastiques au Minas Gerais ; à partir de la seconde moitié du XIX^e siècle, la peinture, déjà dissociée de l’architecture, s’est développée sous l’influence du néoclassicisme et du romantisme européens.

Les plus grandes expressions du baroque dans le Minas Gerais furent l’œuvre des maîtres Ataíde et Aleijadinho.

Découvrez les biographies de Manuel da Costa Ataíde et Aleijadinho

1. Manuel da Costa Ataíde

Le maître Ataíde est né à Mariana en 1762 et est mort en 1830, à l’âge de 68 ans. Il fut l’un des peintres, doreurs et artisans de l’art de l’incarnation les plus importants de l’époque.

On sait peu de choses sur la vie d’Ataíde. Sa première œuvre publique a été l’incarnation de deux icônes de Jésus pour l’église Senhor Bom Jesus de Matosinhos à Congonhas do Campo en 1781.

Il est l’un des rares peintres reconnus du Minas Gerais à cette époque. Il était perçu comme une figure humaine, une figure religieuse, un membre de diverses confréries, une personne matériellement détachée qui demandait des prix raisonnables pour ses œuvres.

Vidéo présentant la biographie de Maître Ataíde.

2. Biographie d’Aleijadinho Biographie d’Aleijadinho

Né à Cachoeira do Campo, un quartier d’Ouro Preto, dans la première moitié du XVIII^e siècle, Antônio Francisco Lisboa, connu sous le nom d’Aleijadinho, a changé l’histoire de l’art au Brésil.

Antônio Francisco Lisboa a changé l’histoire de l’art au Brésil. Le maître Aleijadinho, connu dans le monde entier, a reçu ce nom en raison du handicap qui l’a affligé jusqu’à sa mort.

La majeure partie de sa production artistique est concentrée dans la ville historique d’Ouro Preto.

Mais c’est à Congonhas que se trouve le célèbre sanctuaire de Bom Jesus do Matosinhos, avec les douze prophètes sculptés dans la pierre à savon et les six marches de la Passion du Christ.

Parmi les icônes de l’œuvre de l’artiste, on trouve l’église Saint-François d’Assise qu’il a conçue en 1766. Cette œuvre présente également des détails de son atelier, comme le maître-autel, le retable, le frontispice et la fontaine-lavabo de la sacristie.

En 1767, son père, l’architecte portugais Manoel Francisco Lisboa, meurt. Comme Aleijadinho n’était pas un fils légitime, il n’a pas été inclus dans le testament.

En 1777, Aleijadinho se rendit dans la ville de Rio de Janeiro pour entamer une procédure judiciaire afin de reconnaître la paternité de son fils. Ce dernier portait le même nom que son grand-père, Manoel Francisco Lisboa, et avait pour mère une esclave, comme l’était sa mère à sa naissance, appelée Narciza Rodrigues da Conceição.

La même année, on lui diagnostique une grave maladie qui déforme son corps et ses membres, en particulier ses mains.

C’est en raison de cette maladie, qui l’obligeait à travailler à genoux après avoir perdu ses orteils, que l’artiste a été surnommé « Aleijadinho ». Malgré sa maladie, le maître artisan continuait à travailler dans son atelier.

En 1800, l’artiste travaillait sur les statues des prophètes en stéatite, situées dans le cimetière du Sanctuaire de Bom Jesus de Matosinhos à Congonhas. Les six marches de la Passion du Christ, représentées dans les chapelles situées devant le sanctuaire, ont également été construites à cette époque par l’atelier du maître Aleijadinho.

Les Prophètes et la Passion du Christ à Congonhas, ainsi que l’église Saint-François d’Assise à Ouro Preto sont reconnus comme les plus grandes œuvres du maître-artisan.

Aleijadinho a également laissé des chapelles, des églises et des ornements dans diverses villes telles que Sabará, São João del-Rei, Tiradentes et Caeté. On trouve également ses œuvres à Mariana, Felixlândia, Matosinhos, Barão de Cocais et São Paulo (capitale), dont certaines sont exposées au Palácio dos Bandeirantes.

Le baroque du Minas Gerais

1. L’influence de la géographie sur l’architecture baroque du Minas Gerais
2. Particularités de la sculpture baroque du Minas Gerais
3. La peinture baroque du maître Ataíde : spiritualité, technique et symbolisme
4. Principales œuvres

1. L’influence de la géographie sur l’architecture baroque de l’État du Minas Gerais

La configuration géographique montagneuse et irrégulière de la région a joué un rôle fondamental dans le développement d’une architecture baroque unique.

Le relief accidenté, caractérisé par des collines et des vallées, a directement influencé l’urbanisation, donnant lieu à une forme distincte et visuellement frappante.

Les principaux temples religieux ont été construits sur les points les plus élevés des villes, une stratégie qui leur confère une plus grande visibilité et une proéminence symbolique. Cette disposition a permis d’assurer l’intégration esthétique entre l’architecture sacrée et le paysage naturel, renforçant ainsi le caractère contemplatif et spirituel de l’espace urbain.

La topographie difficile a été intégrée à la conception urbaine et architecturale, créant un paysage d’une grande expressivité visuelle qui suscite encore aujourd’hui l’intérêt des chercheurs et des visiteurs. Grâce à ce processus, les villes historiques du Minas Gerais sont devenues l’un des principaux centres du baroque brésilien.

2. Particularités de la sculpture baroque du Minas Gerais

La sculpture baroque du Minas Gerais a développé ses propres caractéristiques, en partie à cause de son isolement géographique par rapport à la côte, qui rendait difficile l’importation d’œuvres et de matériaux européens, en particulier ceux d’origine portugaise.

Face à ces limitations, les artistes locaux ont commencé à utiliser les matériaux disponibles dans la région, tels que le cèdre et la pierre à savon, en adaptant leurs techniques aux conditions matérielles et structurelles de l’environnement. Cette adaptation créative a donné lieu à une production sculpturale originale qui reflète l’influence européenne et les conditions locales de production artistique.

L’un des exemples les plus emblématiques de cette expression sculpturale est celui des Douze Prophètes d’Aleijadinho, situé dans le cimetière du sanctuaire de Bom Jesus de Matosinhos, dans la ville de Congonhas. Ces sculptures synthétisent la richesse technique et la complexité symbolique de l’œuvre de l’artiste. L’ensemble se distingue comme un exemple du baroque brésilien, en raison de la disposition scénographique des statues dans un espace architectural soigneusement planifié.

Individuellement, cependant, les figures présentent des asymétries et des détails ornementaux qui rappellent le style rococo, révélant une fusion esthétique marquant l’originalité et l’expressivité du baroque de Minas Gerais.

3. La peinture baroque du maître Ataíde : spiritualité, technique et symbolisme

La peinture de Mestre Ataíde est reconnue pour sa profonde spiritualité et son style visuellement troublant, marqué par des éléments symboliques et techniques forts. Ses œuvres se distinguent par l’utilisation du contraste entre la lumière et l’obscurité, une technique qui intensifie la sensation de profondeur et de drame. Il utilise également fréquemment des figures disproportionnées par rapport à la perspective, ce qui remet en question les canons classiques de l’équilibre visuel.

Sa composition asymétrique et diagonale rompt avec l’unité et l’équilibre géométrique de la Renaissance, adoptant une esthétique grandiose, monumentale et tordue, typique du baroque tardif et proche du rococo.

3.1. Le symbolisme des couleurs dans la peinture baroque

Dans la peinture baroque, les couleurs ont une fonction qui dépasse la simple esthétique : elles sont des éléments fondamentaux de l’iconographie sacrée, porteuses de significations spirituelles et émotionnelles.

En appliquant sa palette, Mestre Ataíde « donne vie aux couleurs et aux images », en leur conférant une « vitalité symbolique ». Parmi les couleurs les plus récurrentes dans son œuvre, on trouve le rouge et le bleu, qui ont tous deux un profond contenu symbolique :

• Dans la tradition iconographique baroque, le rouge représente l’amour divin, la charité, l’adoration de Dieu, tout en évoquant la crainte sacrée et la protection spirituelle. Il symbolise également l’extase mystique, le martyre, la souffrance, la royauté et le pouvoir absolu, ainsi que l’extase mystique, le martyre, la souffrance, la royauté et le pouvoir absolu.On attribue également au rouge un sens de l’énergie vitale et de la sexualité sublimée, comme l’expriment les interprétations symboliques qui l’opposent au bleu :

« Le rouge vif et criard indique avec certitude l’extraversion sexuelle, bien que sublimée par des motifs sacrés […] Il symbolise les éléments manifestes d’une sexualité irrépressible, à l’instar du bleu, qui renvoie aux sentiments opposés nichés dans l’âme du décorateur. »

• Le bleu, quant à lui, renvoie à l’obscurité, au surnaturel, au mystère divin et à l’extase face à la vie extraterrestre. Son association avec l’infini induit le rêve, aiguise la curiosité mystique et attire le fidèle vers la foi et la contemplation.

3.2. Le symbolisme de l’or

L’utilisation de l’or dans la peinture et la sculpture baroques ne vise pas seulement à être décorative, mais elle est profondément symbolique. Le jaune, l’or et le soleil constituent trois degrés d’une même révélation spirituelle, symbolisant l’union de l’âme avec Dieu et la lumière divine qui se manifeste au profane.

Bien que l’or soit un métal précieux, il acquiert, dans la pratique iconographique baroque, la valeur symbolique de la lumière divine elle-même, pure, authentique et transcendante. L’utilisation de l’or dans les éléments architecturaux et picturaux vise ainsi à matérialiser le sacré, transformant l’espace artistique en une expression de la présence divine.

4. Principales œuvres du maître Ataíde

1. Peintures sur plafond
2. Peinture sur chevalet
3. Sculpture sur bois, dorure et peinture de statues.

Les plafonds constituent l’héritage le plus remarquable du maître Ataíde.

4.1. Peintures sur les plafonds

4.1.1. L’Ascension du Christ à la Matriz de Santo Antônio de Santa Bárbara : les débuts de l’illusionnisme pictural du maître Ataíde

Le plafond de la Matriz de Santo Antônio, située dans la ville de Santa Bárbara (MG), abrite ce qui pourrait être considéré comme la première œuvre illusionniste du maître Ataíde. Cette composition marque un moment décisif dans la carrière du peintre, inaugurant une phase dans laquelle la peinture fusionne avec l’architecture, créant une expérience visuelle de profondeur et de théâtralité.

La technique de l’illusion architecturale commence dans le cimatium, où l’artiste a peint deux consoles de chaque côté de la nef, entamant ainsi la construction visuelle d’un espace tridimensionnel fictif.

Sur chacune d’entre elles, il a représenté un piédestal et une colonne, reliés au médaillon central par une délicate coquille, élément ornemental typique du rococo, qui renforce la légèreté et la fluidité de la composition.

La scène est enrichie de divers éléments illusionnistes, tels que des figures d’Atlantes, de faux piliers, des chaires peintes, des formes végétales et des rocailles, formant un ensemble qui remet en question les limites entre le réel et le représenté, entre la structure matérielle et la peinture.

Au centre du plafond, le médaillon principal représente l’Ascension du Christ, entouré des douze apôtres et de la Vierge Marie. La disposition des figures et le traitement de la lumière confèrent à la scène un caractère d’élévation spirituelle qui conduit le regard du spectateur vers le haut, en accord avec les objectifs dévotionnels de l’espace sacré.

4.1.2. L’Assomption de la Vierge est l’une des œuvres les plus célèbres et les plus connues de Mestre Ataíde.

L’Assomption de la Vierge est l’une des œuvres les plus emblématiques et les plus connues du peintre Mestre Ataíde. Elle se distingue à la fois par la complexité de sa composition et par l’intensité symbolique de sa symbolique.

Le médaillon central représente la glorieuse Assomption de la Vierge Marie, entourée d’un vibrant orchestre céleste d’anges représentés dans des âges et des attitudes différents, ce qui confère à la scène dynamisme et diversité.

On y voit notamment Marie et plusieurs anges aux traits afro-descendants, ce qui constitue une caractéristique unique de la production artistique d’Ataíde. Celui-ci introduit en effet des éléments de la réalité locale dans l’iconographie traditionnelle, humanisant les figures sacrées et proposant une représentation inclusive dans le contexte colonial brésilien.

La Vierge apparaît dans une attitude de prière, assise sur un trône de nuages, entourée de rayons de lumière et soutenue par un croissant lunaire, symbole traditionnel de l’Immaculée Conception, ce qui renforce son caractère céleste et pur.

Il s’agit d’une composition visuellement dense, marquée par l’utilisation expressive de la couleur, son intégration à l’architecture de l’église et son fort contenu spirituel et dévotionnel, caractéristiques centrales de la peinture baroque au Minas Gerais.

4.1.3. La peinture illusionniste du Maître Ataíde

La peinture illusionniste du Maître Ataíde dans la Matriz de Santo Antônio à Ouro Branco et les représentations dans l’église de São Francisco de Assis à Mariana.

L’une des œuvres illusionnistes les plus remarquables attribuées à Mestre Ataíde se trouve sur le plafond de la Matriz de Santo Antônio, dans la ville d’Ouro Branco. Dans cette composition, la prédominance des lignes droites représente une rupture avec la tradition baroque des courbes sinueuses et du mouvement scénique. L’organisation de l’espace pictural et la palette de couleurs adoptée révèlent des choix novateurs pour l’époque.

Le médaillon central, richement orné, représente la Vierge Marie, l’Enfant Jésus et saint Antoine de Lisbonne. Marie trône sur des nuages, le visage serein et accueillant, tandis que l’Enfant Jésus, debout sur une table, s’adresse à saint Antoine dans une attitude de dévotion, conférant à la scène une aura d’intimité et de sacralité.

Dans l’église Saint-François d’Assise à Mariana, deux importantes compositions se partagent le plafond de la sacristie, toutes deux représentant l’Agonie de Saint-François. Bien qu’il n’existe aucun document attestant formellement la paternité de Mestre Ataíde, l’œuvre a été attribuée à l’artiste grâce à des études comparatives menées par divers spécialistes, qui ont permis d’identifier des traits stylistiques caractéristiques de sa production.

Contrairement à la peinture illusionniste de la Matriz de Santo Antônio, dans les œuvres de Mariana, l’artiste a opté pour de grandes scènes ouvertes avec des arrière-plans paysagers, dans lesquelles sa capacité à transmettre des significations profondes grâce à la manipulation des couleurs et à l’équilibre de la composition est évidente. Il s’agit d’un exemple clair de la polyvalence d’Ataíde, capable de s’adapter à différentes exigences narratives et spatiales sans perdre la densité symbolique qui caractérise son œuvre.

4.2. Peinture de chevalet : les toiles et les panneaux du maître Ataíde

Outre ses célèbres travaux de peinture illusionniste sur plafond, Mestre Ataíde excellait également dans la production d’œuvres plus petites sur toile ou sur panneau de bois, démontrant ainsi sa polyvalence technique et son inventivité iconographique.

Parmi ces œuvres, la toile La Cène, réalisée en 1828, mérite une attention particulière et est largement reconnue comme l’une des créations les plus importantes de l’artiste. Cette composition témoigne de la capacité créative de l’artiste, notamment dans les détails anecdotiques qui confèrent à la scène dynamisme et humanité. Un élément frappant est la présence d’os de mouton sur la table, qui représente une lecture hétérodoxe de l’épisode biblique, en tension avec les préceptes iconographiques traditionnels du catholicisme.

D’autres peintures de chevalet de Mestre Ataíde se distinguent également par leur richesse symbolique et leur technique raffinée.

• Scènes de la vie d’Abraham et Saint François accède aux grâces de la Portioncule sont deux d’entre elles. Elles sont situées dans l’église Saint François d’Assise à Ouro Preto.
• Notre-Dame du Mont Carmel, l’Enfant Jésus et saint Simon Stock, qui font partie de la collection du musée de l’Inconfidence ;
• La Flagellation du Christ, qui fait partie de la collection des palais du gouvernement de l’État de São Paulo ;
• Le Christ sur le chemin du Calvaire, exposé au musée d’art sacré de Mariana ;
• Baptême du Christ, installé dans la cathédrale de Mariana.
• Ces œuvres renforcent le caractère unique de l’héritage artistique d’Ataíde, dont les œuvres religieuses, même dans les formats les plus intimes, conservent une densité théologique, un attrait émotionnel et une innovation compositionnelle, caractéristiques qui le consacrent comme l’un des représentants les plus importants du baroque de Minas Gerais.

« La Cène, de Mestre Ataíde : un chef-d’œuvre de la collection Caraça.

Réalisé en 1828 par le lieutenant-peintre Manuel da Costa Ataíde (1762-1830), ce tableau, intitulé La Cène, est l’une des expressions artistiques les plus significatives de l’ensemble Caraça, tant par sa richesse symbolique que par sa composition formelle.

Au centre de la toile, la figure du Christ se détache, auréolée d’une lumière intense, élément qui renforce sa nature divine. Il est entouré des douze apôtres, harmonieusement organisés en groupes de trois selon les canons classiques de la composition sacrée.

La table, recouverte d’une nappe en dentelle et représentée avec des plis visibles, évoque l’authenticité et le réalisme. On y trouve le pain et le vin, symboles eucharistiques par excellence, ainsi qu’une assiette contenant de la viande d’agneau, allusion évidente à l’agneau pascal qui renvoie au sacrifice rédempteur du Christ.

Au niveau inférieur, le bassin et la serviette utilisés pour le lavement des pieds suggèrent la dimension de l’amour chrétien en tant que service, anticipant ainsi le récit de la Passion.

Le personnage de Judas Iscariote, le traître, se tient devant la table, sur le point de quitter la pièce. Il tient un sac d’argent, symbole de sa trahison, et son expression semble s’adresser au spectateur, établissant un dialogue direct avec quiconque contemple l’œuvre, quelle que soit sa position dans l’église, un trait typique de la théâtralité baroque.

Au fond de la scène, à gauche, trois personnages constituent un épisode secondaire : une jeune servante porte des miches de pain, caressée par un homme qui la suit de près, tandis qu’une femme mulâtre, présence constante dans les œuvres d’Ataíde, renforce l’attention portée aux identités afro-descendantes dans le contexte colonial. À droite, deux autres personnages entrent en scène de manière festive et spontanée, prolongeant le récit au-delà du centre apostolique.

Selon les archives de la Casa, le tableau a coûté 350 000 réis et a été commandé par le père Jerônimo de Macedo, alors supérieur de Caraça. L’attribution de l’auteur, confirmée aujourd’hui, a été renforcée par la suite par le peintre allemand George Grimm qui, en visitant le site, a inscrit le nom d’Ataíde sur l’œuvre, l’artiste signant rarement ses créations.

Cette peinture synthétise le génie de Mestre Ataíde en alliant la rigueur symbolique du catholicisme, la délicatesse technique et l’inclusion de divers types sociaux, pour aboutir à une œuvre qui transcende le simple registre religieux et s’affirme comme un document historique, théologique et esthétique.

4.3. Sculpture sur bois, dorure et peinture sur statue

Détail du « Christ portant la croix », qui fait partie de la série de sculptures d’Aleijadinho incarnées par Mestre Ataíde.

Outre la peinture des plafonds, des toiles et des boiseries, Mestre Ataíde dorait les sculptures en bois et peignait les statues selon une technique connue sous les noms d’incarnation et de tapisserie d’ameublement.

L’incarnation vise à imiter l’effet de la chair humaine sur les parties visibles du corps (comme le visage et les mains), tandis que la tapisserie imite les vêtements et les tissus. Ses œuvres sont présentes dans plusieurs églises du Minas Gerais.

Il a également marqué de son empreinte la décoration des églises et a conçu l’architecture des retables ainsi que des objets liturgiques tels que les chandeliers et les crucifix.

L’église du Tiers Ordre de Notre-Dame du Mont Carmel, à Ouro Preto, en est un exemple. Il montre comment Ataíde concevait la décoration intérieure : comme une œuvre unique intégrant l’architecture, la peinture, la sculpture et les objets.

Il était également illustrateur, réalisant des enluminures dans les livres d’engagement de la confrérie, et a peint la série de statues d’Aleijadinho la plus importante, installée dans les chapelles des marches du sanctuaire de Bom Jesus de Matosinhos.

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