L’histoire de l’art, également connue sous le nom d’historiographie de l’art, est l’étude historique des arts visuels.

Cette discipline consiste à identifier, classer, décrire et évaluer les œuvres d’art. , ainsi qu’à l’interprétation et à la compréhension des œuvres artistiques et du développement historique des différentes formes d’expression. , telles que la peinture, la sculpture, l’architecture, les arts décoratifs, le dessin, la gravure, la photographie, la décoration intérieure, entre autres.

Qu’est-ce que l’art ?

Une création humaine dotée de valeurs esthétiques (beauté, équilibre, harmonie, révolte) qui synthétisent leurs émotions, leur histoire, leurs sentiments et leur culture.

Qui fait de l’art ?

Les gens créent des œuvres d’art dans le cadre de leur vie, pour faire savoir au monde ce qu’ils pensent, pour faire connaître leurs convictions (ou celles d’autres personnes), pour se stimuler et se divertir, mais aussi pour explorer de nouvelles façons d’observer et d’interpréter des objets et des scènes.

Qu’est-ce qu’un style ? Pourquoi qualifier les œuvres d’art de « styles » ?

Le style est la manière dont l’œuvre apparaît après que l’artiste a pris ses décisions. Les critiques et les historiens les classent et les étiquettent souvent.

Comment pouvons-nous observer les changements dans le monde à travers l’art ?

Nous pouvons voir quel type d’art a été créé, quand, où et comment. Nous pouvons ainsi comprendre les changements que le monde a connus.

Qu’est-ce que l’histoire de l’art ?

Il s’agit d’un domaine de connaissances qui étudie les arts visuels à travers le temps, en analysant leurs origines, leur évolution, leurs styles, leurs techniques, leurs contextes culturels et leurs significations. Elle ne se limite pas à l’appréciation esthétique, mais cherche à comprendre comment les œuvres reflètent la société, la politique, la religion, la philosophie et les valeurs d’une époque.

Elle étudie des productions telles que :

• – la peinture ;
• Sculpture
• Architecture
• Dessin
• Gravure
• Arts décoratifs
• La photographie
• Le design, entre autres.

L’histoire de l’art étudie également les artistes, leurs biographies, leurs influences et les mouvements artistiques (tels que la Renaissance, le Baroque, le Modernisme, etc.), ainsi que les changements survenus dans les manières de produire et de penser l’art au cours des siècles.

En bref, il s’agit d’une discipline qui relie l’art et l’histoire, nous aidant à mieux comprendre les œuvres d’art et les moments historiques au cours desquels elles ont été créées.

L’histoire de l’art est divisée en plusieurs périodes.

1. Préhistoire

• Paléolithique inférieur
• Paléolithique supérieur.
• Néolithique
• Âge des métaux

2. Ancien

• Égyptien
• Grec
• Romane
• Paléochrétien
• Bizantin
• ISLAMIQUE

3. Moyen Âge

• Romane
• Gothique

4. L’Âge moderne

• Renaissance
• Maniérisme
• – baroque ;
• ROCOCO

5. CONTEMPORAIN

• Neoclassique
• Romantique
• Réaliste
• Impressionnisme
• Expressionnisme
• CUBISME
• Abstractionnisme
• Fauvisme
• Constructivisme.
• Surréalisme
• Dadaïsme
• Op art.
• Pop art
• Installation
• INTERFERENCE
• COBRA
• Futurisme
• Art naïf
• Peinture métaphysique

1. LA PRÉHISTOIRE

La préhistoire correspond à la période de l’histoire qui précède l’invention de l’écriture, depuis le début de l’ère historique enregistrée jusqu’à environ 3 500 ans avant Jésus-Christ.

1.1 Le Paléolithique inférieur

Jusqu’à 25 000 ans av.

La principale caractéristique des dessins de l’âge de la pierre ébréchée est le naturalisme.

L’artiste peignait des êtres, par exemple un animal, comme il les voyait d’un certain point de vue, reproduisant la nature telle qu’il la percevait.

Cet art était pratiqué par les chasseurs qui utilisaient les peintures rupestres, c’est-à-dire celles réalisées sur les rochers et les parois des grottes. Les peuples de cette période étaient nomades.

1.2 LE PALÉOLITHIQUE SUPÉRIEUR

Les artistes de cette période travaillent également la sculpture.

Cependant, tant dans la peinture que dans la sculpture, les figures masculines sont absentes, tandis que les figures féminines prédominent. La Vénus de Willendorf se distingue toutefois.

1.3 LE NÉOLITHIQUE

Le Néolithique a duré de 10 000 à environ 3 000 ans avant notre ère et constitue l’une des périodes de la préhistoire.

Les hommes de l’âge de pierre polie s’installent et assurent leur subsistance grâce à la culture de la terre et à l’entretien des troupeaux.

Le sens de l’observation laisse place à l’abstraction et à la rationalisation. Des représentations de la vie collective voient le jour.

Le sanctuaire de Stonehenge, dans le sud de l’Angleterre, est la première œuvre architecturale répertoriée dans l’histoire.

1.4 L’ÂGE DES MÉTAUX

Apparition de la métallurgie, des villes, de l’invention de la roue, de l’écriture et de la charrue à bœuf.

• L’âge des métaux marque une période de transition entre la préhistoire et l’âge antique, et constitue donc la dernière période de la préhistoire.
• Elle se caractérise par la maîtrise de la technologie des métaux, comme le bronze et le fer.
• Elle se caractérise notamment par l’utilisation des métaux pour les ustensiles, les armes, l’art et la technologie, ainsi que par l’épanouissement d’anciennes civilisations, comme celle de la Mésopotamie.
• Ses périodes sont l’âge du cuivre (ou chalcolithique), l’âge du bronze et l’âge du fer, chacun marquant des avancées technologiques et culturelles distinctes.
• Il marque la transition entre la préhistoire et l’époque antique.
• Ses découvertes ont permis de créer des alliages métalliques, des techniques métallurgiques avancées, des systèmes d’écriture et de transformer les sociétés anciennes.
• Les principales différences entre le Paléolithique, le Néolithique et l’âge des métaux concernent la transition des chasseurs-cueilleurs nomades aux agriculteurs sédentaires, l’avancée technologique dans le domaine de la métallurgie et l’essor des sociétés urbaines.

2. ART ANCIEN

L’art antique désigne les nombreux types d’art produits par les cultures avancées des sociétés anciennes dotées de différentes formes d’écriture, telles que celles de la Chine, de l’Inde, de la Mésopotamie, de la Perse, de la Palestine, de l’Égypte, de la Grèce et de la Rome antiques.

L’art des sociétés non alphabétisées est généralement appelé art préhistorique et n’est pas abordé ici.

Bien que certaines cultures précolombiennes aient développé l’écriture au cours des siècles précédant l’arrivée des Européens, pour des raisons de datation, elles sont traitées dans des articles consacrés à l’art maya, à l’art aztèque ou à l’art olmèque.

2.1 ÉGYPTE

La religion était omniprésente dans la vie et la production artistique égyptiennes.

Les Égyptiens croyaient en une vie après la mort.

L’art égyptien était fondé sur la glorification des dieux et du roi défunt divinisé, pour lequel on construisait des temples funéraires et des tombes grandioses.

2.1.1 L’architecture

Les pyramides du désert de Gizeh sont les œuvres architecturales les plus célèbres.

Les caractéristiques générales de l’architecture égyptienne sont les suivantes :

• – solidité et durabilité ;
• Sentiment d’éternité.
• Aspect mystérieux et impénétrable.

Les temples les plus importants sont Karnak et Louxor, tous deux dédiés au dieu Amon. Les monuments les plus expressifs de l’art égyptien sont les tombes.

2.1.2. LA SCULPTURE

Les pharaons et les dieux sont presque toujours représentés de face, sans exprimer la moindre émotion.

Ils ont souvent exagéré les proportions du corps humain, donnant aux personnages représentés une impression de force et de majesté.

Les bas-reliefs égyptiens étaient une expression de qualité. Les hiéroglyphes eux-mêmes étaient souvent transcrits en bas-relief.

2.1.3 Peinture

La décoration colorée était un élément puissant permettant de compléter les attitudes religieuses. Ses caractéristiques générales sont l’absence de trois dimensions et l’ignorance de la profondeur. Les personnages les plus importants étaient représentés dans l’ordre suivant : le roi, la reine, le prêtre, les soldats et le peuple.

2.2 L’art grec

L’art grec est lié à l’intelligence, car ses rois n’étaient pas des dieux, mais des êtres intelligents et justes qui se consacraient au bien-être du peuple et à la jouissance de la vie présente.

Dans leur recherche constante de la perfection, le rythme, l’équilibre et l’harmonie idéale prédominaient.

2.2.1 L’architecture

Les bâtiments qui ont suscité le plus d’intérêt sont les temples.

Le plus important est le Parthénon d’Athènes.

Les colonnes sont divisées en ordres :

• – l’ordre dorique, simple et massif.
• L’ordre ionien symbolise la grâce et la féminité.
• L’ordre corinthien suggère le luxe et l’ostentation.

2.2.2 Peinture

On retrouve la peinture grecque dans l’art de la céramique. Les vases servaient entre autres à stocker de l’eau, du vin, de l’huile d’olive et des provisions.

Sa forme correspondait donc à sa fonction.

2.2.3. LA SCULPTURE

La statuaire grecque représente le niveau de perfection le plus élevé jamais atteint par l’humanité. En sculpture, l’anthropomorphisme, c’est-à-dire les sculptures de formes humaines, était inégalé. Outre l’équilibre et la perfection des formes, les statues acquièrent le mouvement.

• À l’époque archaïque, des sculptures symétriques apparaissent, dans une position frontale stricte.
• À l’époque classique, les statues sont dotées de mouvement. Le nu féminin apparaît, car à l’époque archaïque, les figures de femmes étaient toujours sculptées habillées.
• La période hellénistique marque un tournant avec l’essor du naturalisme : les êtres humains sont également représentés par leurs émotions et l’humeur du moment.

2.3 L’art romain

L’art romain a subi deux fortes influences :

• – l’art étrusque, avec son utilisation de l’arc et de la voûte dans la réalité vécue ;
• L’art gréco-hellénistique, avec son idéal de beauté.

2.3.1. L’ARCHITECTURE

Les caractéristiques générales de l’architecture romaine sont les suivantes :

– recherche de l’utilité immédiate ; – sens du réalisme ; – grandeur matérielle ; – accentuation de l’idée de force.

On distingue cinq types d’édifices selon leur fonction :

• – la religion : les temples (le Panthéon, construit à Rome sous le règne de l’empereur Hadrien, était destiné à rassembler la grande variété de dieux qui existaient dans tout l’Empire) ;
• Commerce et civilité : la basilique – avec son plan rectangulaire, elle était le siège du commerce.
• Hygiène : thermes – les thermes étaient le centre social de la ville.
• Divertissement : cirque, théâtre, amphithéâtre.
• Monuments décoratifs : arc de triomphe, colonne triomphale.
• L’habitat a été construit autour d’une cour appelée atrium.

2.3.2 Peinture

Les mosaïques étaient largement utilisées pour la décoration. Ce que nous en connaissons aujourd’hui provient des villes d’Herculanum et de Pompéi, ensevelies par l’éruption du Vésuve en l’an 79 av. J.-C.

2.3.3 LA SCULPTURE

Les Romains étaient réalistes et pragmatiques ; leurs sculptures étaient donc des représentations fidèles des personnes, et non des idéaux de beauté humaine comme l’avaient fait les Grecs.

Avec l’invasion des Barbares, les arts sont remis en question. C’est le début du déclin de l’Empire romain qui, au Ve siècle, précisément en 476, perd le contrôle de son vaste territoire occidental au profit des envahisseurs germaniques.

2.4 Le paléo-christianisme

Les chrétiens (ceux qui suivaient les enseignements de Jésus-Christ) ont commencé à créer des œuvres d’art simples et symboliques, réalisées par des personnes qui n’étaient pas nécessairement de grands artistes. En raison des persécutions, la peinture était symbolique.

En 313, l’empereur Constantin légalise le christianisme, marquant le début de la deuxième phase de l’art paléochrétien : la phase basilicale.

Les Romains leur cèdent quelques basiliques pour qu’elles servent de lieux de célébration.

2.5 Bizantine

Vers le IV^e siècle, l’invasion de l’Empire romain par des peuples barbares a commencé, conduisant Constantin à transférer la capitale de l’Empire à Byzance, une ville grecque qui s’appellera plus tard Constantinople.

Ce transfert a permis l’émergence du premier style d’art chrétien : l’art byzantin, un style nouveau, riche en techniques et en couleurs.

L’art byzantin est guidé par la religion.

Le régime était théocratique et l’empereur détenait des pouvoirs administratifs et spirituels.

La mosaïque est l’expression ultime de l’art byzantin.

Les personnages sont représentés de face et verticalisés afin de créer une certaine spiritualité ; la perspective et le volume sont ignorés, et l’or est utilisé à outrance en raison de son association avec le plus grand bien sur terre.

L’architecture des églises a reçu la plus grande attention dans l’art byzantin, avec un plan de base circulaire, octogonal ou carré. Elles sont dotées d’immenses dômes.

L’église Sainte-Sophie (Sofia = Sagesse) est l’un des plus grands triomphes de la nouvelle technique byzantine.

À cette époque, la sculpture n’était pas aussi importante. On ne trouve alors que des bas-reliefs décoratifs.

L’apogée de l’art byzantin a lieu au VI^e siècle, sous le règne de l’empereur Justinien. Cependant, cette apogée a rapidement été suivie d’une période de crise appelée l’« Iconoclasme ». Il s’agit de la destruction de toute image sainte à la suite d’un conflit entre les empereurs et le clergé.

L’art byzantin ne s’est pas éteint en 1453, avec la prise de Constantinople par les Turcs. Cet art a largement dépassé les frontières de l’Empire byzantin et s’est répandu dans les pays slaves, par exemple.

2.6 ISLAMIQUE

En 622, le prophète Mahomet s’exile à Médine.

D’origine nomade, les musulmans mettent du temps à s’établir définitivement et à jeter les bases d’une esthétique propre à laquelle ils peuvent s’identifier. Ils ont absorbé les traits stylistiques des peuples conquis. C’est ainsi que les coupoles byzantines couronnent leurs mosquées.

Dans la sphère sacrée, l’art figuratif est évité au profit de l’art géométrique et abstrait, plus symbolique que transcendantal. C’est pourquoi l’on utilise des formes telles que les arabesques.

2.6.1. L’architecture

Les mosquées s’inspirent de la maison de Mahomet à Médine.

Le géomètre était aussi important que l’architecte. Les résidences des émirs étaient les habitations privées du souverain.

2.6.2 LES TISSUS

En tant que peuple nomade, les tapis étaient les seuls matériaux utilisés pour décorer les tentes. Avec la sédentarisation, les soies, les brocarts et les tapis ont commencé à orner les palais et les châteaux, tout en remplissant une fonction fondamentale dans les mosquées, puisque les musulmans ne doivent pas entrer en contact avec la terre lorsqu’ils prient.

2.6.3 Peinture et graphisme

La peinture islamique est représentée par les fresques et les miniatures.

L’art des mosaïstes est étroitement lié à la peinture, tout comme la céramique, dont l’usage s’est répandu à partir du XII^e siècle et qui a atteint sa splendeur en Espagne, où des pièces ont été créées pour l’usage quotidien.

3. L’ART AU MOYEN ÂGE

Le Moyen Âge est une période de l’histoire européenne qui s’étend de l’effondrement de la civilisation romaine au Ve siècle après J.-C. à la Renaissance (diversement interprétée comme commençant au XIII^e, XIV^e ou XV^e siècle, selon la région d’Europe et d’autres facteurs).

3.1 Romanique

3.1.1 L’architecture

À la fin des XI^e et XII^e siècles, l’Europe voit apparaître l’art roman, dont la structure s’apparente aux édifices de l’Antiquité romaine.

Les caractéristiques les plus significatives de l’architecture romane sont les suivantes : voûtes remplaçant le toit des basiliques, piliers massifs soutenant les murs épais et ouvertures rares et étroites utilisées comme fenêtres.

Ce qui frappe en premier dans les églises romanes, c’est leur taille. Elles sont toujours grandes et solides. C’est pourquoi on les appelle les « forteresses de Dieu ».

Il s’agit essentiellement d’un style clérical. La cathédrale de Pise, dont le clocher est l’édifice le plus connu, est la plus célèbre.

3.1.2 LA PEINTURE ET LA SCULPTURE

La peinture romane s’est surtout développée dans les grandes décorations murales, en utilisant la technique de la fresque, qui était à l’origine une technique de peinture sur un mur humide.

La figure du Christ est toujours plus grande que les autres personnages représentés.

Le colorisme consiste à utiliser des aplats de couleurs, sans souci de demi-teintes ou de jeux d’ombres et de lumières, car il ne s’agit pas d’imiter la nature.

Les mosaïques, surtout en bleu et or, étaient notamment utilisées dans les églises.

3.2 GOTHIQUE

Au XII^e siècle, entre 1150 et 1500, une économie basée sur le commerce et la bourgeoisie urbaine voit le jour. Ces changements entraînent une profonde révolution dans l’art de concevoir et de construire les grands édifices.

3.2.1 – L’architecture

La première différence entre une église romane et une église gothique est la façade. Dans l’église romane, il y a un seul portail, tandis que l’église gothique en compte trois. La rosace est un élément architectural caractéristique de l’art gothique.

D’autres éléments caractéristiques de l’architecture gothique sont les arcs gothiques ou ogivaux et les vitraux aux couleurs vives qui laissent filtrer la lumière à l’intérieur de l’église. Les cathédrales gothiques les plus connues sont la cathédrale Notre-Dame de Paris et la cathédrale Notre-Dame de Chartres.

3.2.2 LA SCULPTURE

Les sculptures sont liées à l’architecture et s’élancent vers le haut.

3.2.3 LES ENLUMINURES

Une enluminure est une illustration sur parchemin de livres écrits à la main. La gravure n’avait pas encore été inventée.

3.2.4 LA PEINTURE

Les principaux artistes de la peinture gothique sont les véritables précurseurs de la Renaissance.

L’exemple de Giotto : identification de la figure des saints à des êtres humains, dans une vision humaniste du monde.

4. L’art à l’époque moderne

4.1 LA RENAISSANCE

Outre la renaissance de l’ancienne culture gréco-romaine, cette période a été marquée par de nombreuses avancées et d’innombrables réalisations dans les domaines des arts, de la littérature et des sciences, qui ont dépassé l’héritage classique.

L’idéal de l’humanisme, avec la valorisation de l’homme et de la nature, par opposition au divin et au surnaturel, concepts qui avaient imprégné la culture du Moyen Âge, a également marqué cette période.

Caractéristiques générales :

• Rationalité
• Dignité de l’être humain.
• Rigueur scientifique
• Idéal humaniste.
• Réutilisation des arts gréco-romains.

4.1.1. L’architecture de la Renaissance

Dans l’architecture de la Renaissance, l’occupation de l’espace par le bâtiment est basée sur des relations mathématiques (géométrie, perspective).

4.1.2 LA PEINTURE

Principales caractéristiques : perspective, utilisation du clair-obscur, réalisme. Les artistes de la Renaissance ne considèrent plus l’homme comme un simple observateur du monde exprimant la grandeur de Dieu, mais comme l’expression la plus grandiose de Dieu lui-même.

Le monde est alors considéré comme une réalité qu’il faut comprendre scientifiquement, et non plus seulement admirer. L’utilisation de la toile et de la peinture à l’huile se généralise.

Autre caractéristique de l’art de la Renaissance, en particulier de la peinture, l’émergence d’artistes au style personnel, différent des autres, car l’époque est marquée par l’idéal de liberté et, par conséquent, par l’individualisme.

Les principaux peintres sont :

• Botticelli – Ses peintures sont belles parce qu’elles manifestent la grâce divine. Œuvres remarquables : Le Printemps et La Naissance de Vénus.
• Léonard de Vinci maîtrise un jeu expressif d’ombres et de lumières. Il s’inspire de la réalité mais stimule l’imagination du spectateur. Œuvres remarquables : La Vierge aux rochers et La Joconde.
• Michel-Ange – Il a peint le plafond de la chapelle Sixtine au Vatican. Œuvres notables : le plafond de la chapelle Sixtine et la Sainte Famille.
• Ses œuvres communiquent au spectateur un sentiment d’ordre et de sécurité.

Œuvres remarquables : L’École d’Athènes et La Vierge du matin.

4.1.3. LA SCULPTURE

Les papes, protecteurs des arts, ont élu domicile au Vatican.

C’est là que se révèlent les grands sculpteurs, dont le plus grand est Michel-Ange, qui domine toute la sculpture italienne du XVI^e siècle. Quelques-unes de ses œuvres les plus connues sont Moïse, David (4,10 mètres) et la Pietà.

Principales caractéristiques :

• Ils ont cherché à représenter l’homme tel qu’il est réellement.
• Proportions de la figure tout en conservant le rapport à la réalité.
• Profondeur et perspective
• Étude du corps humain et du caractère

4.2 LE MANIÉRISME

Parallèlement à la Renaissance classique, un mouvement artistique s’est développé à Rome de 1520 à 1610 environ, s’éloignant consciemment du modèle de l’Antiquité classique : le maniérisme (maniera en italien signifie « manière »).

Il se caractérise par une nette tendance à l’exagération stylistique et à la fantaisie dans les détails.

Les grands empires commencent à se former et l’homme n’est plus la seule mesure de l’univers.

Les peintres, les architectes et les sculpteurs sont contraints de quitter Rome pour s’installer dans d’autres villes. S’inspirant de la Renaissance, ils ont créé un art fait de labyrinthes, de spirales et de proportions étranges.

4.2.1 L’architecture

L’architecture maniériste privilégie la construction d’églises à plan longitudinal, avec des espaces plus longs que larges, une coupole principale située au-dessus du transept, ainsi que dans la distribution de la lumière et dans la décoration.

4.2.2 LA PEINTURE

C’est dans la peinture que l’esprit maniériste se manifeste pour la première fois, avec une volonté de déformer une réalité qui ne les satisfait plus et de revaloriser l’art pour l’art lui-même.

Les véritables protagonistes du tableau ne sont plus placés au centre de la perspective, mais quelque part dans l’architecture, où l’œil attentif doit, non sans difficulté, les trouver.

Artiste principal : EL GRECO

4.2.3 LA SCULPTURE

En sculpture, le maniérisme suit la voie tracée par Michel-Ange. Ses principales caractéristiques sont un équilibre apparemment fragile et une grâce de l’ensemble.

4.3 BAROQUE

L’art baroque est né en Italie au XVII^e siècle, mais il s’est rapidement répandu dans d’autres pays européens ainsi que sur le continent américain, sous l’impulsion des colonisateurs portugais et espagnols.

Les œuvres baroques rompent l’équilibre entre le sentiment et la raison, ou entre l’art et la science. Dans l’art baroque, ce sont les émotions qui prédominent, plutôt que le rationalisme de l’art de la Renaissance.

C’est une époque marquée par les conflits spirituels et religieux. L’homme est en proie à un dualisme constant : paganisme contre christianisme, esprit contre matière.

4.3.1 LA PEINTURE

Caractéristiques de la peinture baroque : composition en diagonale, contraste marqué entre le clair et l’obscur (expression des sentiments) et réalisme, couvrant toutes les couches sociales. L’Italie est le centre de rayonnement de ce style.

Parmi les peintres baroques italiens, on compte Le Caravage et Andrea Pozzo.

Parmi les peintres les plus représentatifs des autres pays européens, on compte : le Espagnol Velázquez, le Espagnol Rubens et le Néerlandais Rembrandt.

4.3.2. LA SCULPTURE

Les lignes courbes, les drapés et l’utilisation de l’or y prédominent. Les gestes et les visages des personnages expriment des émotions violentes et atteignent une dramaturgie inconnue à la Renaissance.

4.3.3 L’architecture

Parrainée par l’Église catholique, qui investit dans des œuvres riches et somptueuses pour sauver les fidèles perdus dans le protestantisme, l’architecture baroque est marquée par l’opulence.

Il s’agit de l’architecture de la Contre-Réforme. Parmi les œuvres profanes, le château de Versailles se distingue par sa galerie des Glaces incroyable.

4.4 Rococo

Apparue en France comme une émanation du baroque, cette esthétique se caractérise par une plus grande légèreté et intimité que le baroque, et a d’abord été utilisée dans la décoration intérieure. En France, il est également appelé « style Louis XV et Louis XVI ».

Caractéristiques générales : utilisation abondante de formes courbes et profusion d’éléments décoratifs tels que des coquilles, des nœuds et des fleurs.

4.4.1 L’architecture

Pendant le Siècle des Lumières, entre 1700 et 1780, le rococo est le courant principal de l’art et de l’architecture post-baroque.

Au début du XVIII^e siècle, le centre artistique de l’Europe se déplace de Rome à Paris.

Principales caractéristiques :

• Les couleurs vives ont été remplacées par des tons pastel, de nombreuses fenêtres ont permis d’inonder les intérieurs de lumière diffuse et le relief abrupt des surfaces a cédé la place à des textures douces.
• La structure des bâtiments s’est allégée et l’espace intérieur a été unifié, gagnant ainsi en grâce et en intimité.

4.4.2 LA SCULPTURE

Il n’est pas possible de tracer une ligne de démarcation claire entre le baroque et le rococo dans ces deux arts.

4.4.3 LA PEINTURE

À la fin du règne de Louis XIV, alors que la France s’affirme politiquement et culturellement sur le reste de l’Europe, les premiers tableaux rococo apparaissent sous l’influence de la technique de Pierre Paul Rubens.

L’art contemporain

5.1 Néoclassique

Au cours des deux dernières décennies du XVIII^e siècle et des trois premières décennies du XIX^e siècle, une nouvelle tendance esthétique s’est imposée. Il s’agit de l’académisme ou du néoclassicisme, qui s’est imposé avec la nouvelle bourgeoisie, notamment sous l’Empire de Napoléon.

Principales caractéristiques :

• Un retour au passé par l’imitation des modèles antiques gréco-latins.
• L’académisme, c’est-à-dire la soumission aux modèles et aux règles enseignés dans les écoles ou les académies des beaux-arts.
• L’art est alors compris comme une imitation de la nature, dans un véritable culte de la théorie d’Aristote.

5.1.1 L’architecture

L’architecture néoclassique s’inspire des temples gréco-romains ou des bâtiments de la Renaissance italienne.

5.1.2 LA PEINTURE

La peinture de cette période s’inspire principalement de la sculpture grecque classique et de la peinture de la Renaissance italienne, en particulier de Raphaël, maître incontesté de la composition équilibrée.

5.2 ROMANTIQUE

Le XIX^e siècle est secoué par de profonds changements sociaux, politiques et culturels provoqués par la révolution industrielle de la fin du XVIII^e siècle.

L’activité artistique devient alors complexe.

Les artistes romantiques cherchent à s’affranchir des conventions académiques pour s’exprimer librement et exprimer leur personnalité.

Caractéristiques générales : valorisation des sentiments et de l’imagination, nationalisme, valorisation de la nature comme principe de création artistique et sentiment du présent.

5.2.1 L’architecture

Principale caractéristique architecturale : le style gothique, considéré comme un style authentiquement européen, est revalorisé.

Œuvre en vedette : le bâtiment du Parlement anglais.

5.2.2 Peinture

Les thèmes de la peinture sont les événements réels de l’histoire nationale et contemporaine, la vie des artistes et la nature révélant un dynamisme équivalent aux émotions humaines.

Principaux artistes : Goya, Turner, Delacroix.

5.3 LE RÉALISME

Entre 1850 et 1900, une nouvelle tendance esthétique appelée réalisme est apparue dans les arts européens, en particulier dans la peinture française, parallèlement à l’industrialisation croissante des sociétés.

L’homme européen se convainc alors qu’il doit être réaliste, même dans ses créations artistiques, en mettant de côté les visions subjectives et émotives de la réalité.

Les caractéristiques générales sont les suivantes : le scientisme, la valorisation de l’objet, la sobriété et la minutie, l’expression de la réalité et les aspects descriptifs.

5.3.1. L’architecture

Les architectes et les ingénieurs tentent de répondre de manière appropriée aux nouveaux besoins urbains.

Les villes n’ont plus besoin de riches palais et de temples. Elles ont besoin d’usines, de gares, de chemins de fer, d’entrepôts, de magasins, de bibliothèques, d’écoles, d’hôpitaux et de logements pour les ouvriers et la nouvelle bourgeoisie.

En 1889, Gustave Eiffel érige la tour Eiffel à Paris, devenue le logo de la « Ville Lumière ».

5.3.2 LA SCULPTURE

Rodin a cherché à recréer les êtres tels qu’ils sont. Son objectif était de capturer l’instant significatif d’un geste humain.

Œuvres notables : Balzac, Le Bourgeois de Calais, Le Baiser et Le Penseur.

5.3.3 Peinture

Caractéristiques de la peinture :

• L’artiste se doit d’observer la réalité avec la même objectivité qu’un scientifique étudie un phénomène naturel.
• L’artiste n’a pas pour rôle d’« améliorer » la nature, car la beauté réside dans la réalité telle qu’elle est.
• Il s’agit plutôt de révéler les aspects les plus caractéristiques et les plus expressifs de celle-ci.

Principaux peintres : Courbet, Jean-François Millet.

5.4 L’impressionnisme

Mouvement artistique profondément révolutionnaire, l’impressionnisme a donné naissance aux grandes tendances de l’art du XX^e siècle. Caractéristiques principales :

Caractéristiques principales :

• La peinture doit enregistrer les nuances que les objets acquièrent lorsqu’ils reflètent la lumière du soleil à un moment donné.
• Les contours des figures ne doivent pas être nets, car la ligne est une abstraction utilisée par les êtres humains pour représenter les images.
• Les ombres doivent être claires et colorées, comme l’impression visuelle qu’elles produisent sur nous, et non sombres ou noires, comme les peintres les représentaient autrefois.
• Il ne faut pas obtenir les couleurs et les tons en mélangeant les peintures de la palette du peintre. C’est le spectateur qui, en admirant le tableau, combine les différentes couleurs pour obtenir le résultat final. Ce mélange n’est donc plus d’ordre technique, mais optique.

Le public découvre pour la première fois les œuvres des impressionnistes lors d’une exposition collective organisée à Paris en avril 1874. Mais ce nouveau mouvement rencontre une fin critique, car il reste fidèle aux principes académiques de la peinture.

Principaux artistes : Monet, Renoir, Seurat.

5.5 L’expressionnisme

L’expressionnisme est l’art de l’instinct. C’est une peinture dramatique et subjective qui « exprime » les sentiments humains. Les valeurs émotionnelles prédominent alors que les valeurs intellectuelles sont reléguées au second plan.

Caractéristiques principales :

• Recherche dans le domaine psychologique.
• Les couleurs vives et éclatantes, fusionnées ou séparées ;
• J’accorde ma préférence au pathétique, au tragique et à l’obscur. L’œuvre de Van Gogh

Principaux artistes : Gauguin, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Modigliani et Van Gogh.

5.6 LE CUBISME

Historiquement, le cubisme trouve son origine dans l’œuvre de Cézanne. Cependant, les cubistes sont allés plus loin que l’artiste puisqu’ils ont commencé à représenter des objets avec toutes leurs parties sur le même plan. Ils ont commencé à représenter des objets avec toutes leurs parties sur le même plan.

Le cubisme ne représente pas, mais suggère la structure des corps ou des objets.

Ses principales caractéristiques sont les suivantes :

• – géométrisation des formes et des volumes ;
• La perspective est abandonnée.
• Le clair-obscur perd alors sa fonction.
• Les sensations tactiles du spectateur sont également affectées.

Artistes principaux : Picasso, Braque.

5.7. ABSTRACTION

Lorsque le sens d’un tableau dépend essentiellement de la couleur et de la forme, lorsque le peintre rompt les derniers liens qui rattachent son œuvre à la réalité visible, il devient abstrait.

Artistes principaux : Kandinsky, Paul Klee.

5.8 Fauvisme

En 1905, au Salon d’automne de Paris, certains artistes sont appelés fauves en raison de l’intensité avec laquelle ils utilisent les couleurs pures.

Les principes de ce mouvement artistique sont les suivants :

• Créer dans l’art n’a aucun rapport avec l’intellect ou les sens.
• Créer, c’est suivre les impulsions de l’instinct et les sensations primitives.

Artiste en vedette : Henri Matisse.

5.9 LE CONSTRUCTIVISME

Il s’agit d’une abstraction géométrique qui vise à créer un mouvement perspectif vibrant à travers les couleurs et les lignes. Elle synthétise les théories abstraites et scientifiques de l’art moderne. Il s’agit d’une peinture en deux dimensions.

Artiste à la une : Mondrian

5.10. Le surréalisme

Dans les deux premières décennies du XX^e siècle, les études psychanalytiques de Freud et l’incertitude politique ont créé un climat favorable au développement d’un art qui critique la culture européenne et la fragilité de la condition humaine face à un monde de plus en plus complexe.

Le surréalisme est, par excellence, le courant artistique moderne de la représentation de l’irrationnel et du subconscient.

Par l’automatisme, c’est-à-dire toute forme d’expression dans laquelle l’esprit n’exerce aucun contrôle, les surréalistes ont tenté de « modeler », par des formes symboliques abstraites ou figuratives, les images de la réalité la plus profonde de l’être humain : le subconscient.

Artistes principaux : Salvador Dalí et Joan Miró.

5.11. Dadaïsme

Formé en 1916 à Zurich par de jeunes Français et Allemands qui, s’ils étaient restés dans leurs pays respectifs, auraient été enrôlés dans le service militaire, Dada est un mouvement de négation.

Leur proposition était que l’art soit libéré des contraintes rationalistes et qu’il soit simplement le résultat d’un automatisme psychique, sélectionnant et combinant des éléments par hasard.

Dada prend fin en tant qu’activité de groupe vers 1921.

5.12. ART OP

L’expression « op-art » vient de l’anglais (optical art) et signifie « art optique ».

Il semble excessivement cérébral et systématique, plus proche des sciences que des humanités. D’autre part, ses possibilités semblent aussi limitées que celles de la science et de la technologie.

5.13. POP ART

Mouvement principalement américain et britannique désignant les produits de la culture populaire de la civilisation occidentale, en particulier ceux des États-Unis.

Ils incarnaient les aspects les plus ostentatoires de cette culture. Le Pop. L’art a transformé ce qui était considéré comme vulgaire en quelque chose de plus raffiné, et a rapproché l’art des masses en démystifiant-le pour quelques-uns, puisqu’il utilisait leurs propres objets.

5.14. INSTALLATION

Il s’agit d’agrandissements d’environnements qui se transforment en décors de la taille d’une pièce. Le spectateur participe à l’œuvre et ne se contente pas de l’apprécier.

5.15. INTERFERENCE

Certains artistes « interfèrent » avec le paysage en installant des rideaux, des parasols, des emballages dans les lieux publics.

5.16. COBRA

Mouvement artistique né aux Pays-Bas, acronyme de Copenhague-Bruxelles-Amsterdam. Cette peinture est gestuelle, libre et violente dans le choix des couleurs et des textures.

5.17. FUTURISME

Selon eux, les objets ne se limitent pas à leurs contours apparents et leurs aspects s’interpénètrent continuellement, en même temps ou plusieurs fois dans un même espace. « La splendeur du monde s’est enrichie d’une nouvelle beauté : la beauté de la vitesse. Une voiture de course est plus belle que la Victoire de Samothrace. »

Le futurisme est la concrétisation de cette recherche dans l’espace bidimensionnel. Ce style vise à exprimer le mouvement réel en enregistrant la vitesse d’objets en mouvement dans l’espace.

L’artiste futuriste n’est pas intéressé par la peinture d’une voiture, mais par la capture du mouvement qu’elle déploie dans l’espace.

5.18. ART NAIF

C’est l’art de la spontanéité, de la créativité authentique, de la démarche artistique sans école ni guide, donc instinctive. L’art naïf est proche de l’art des enfants, de l’art des malades mentaux et de l’art primitif, sans toutefois se confondre avec eux.

5.19. Peinture métaphysique

La peinture doit créer une impression de mystère. Elle s’inspire de la métaphysique, science qui étudie tout ce qui se manifeste de manière surnaturelle.

Histoire de l’art : caractéristiques, aspects et périodes

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