La Historia del Arte, también conocida como Historiografía del Arte, es el estudio histórico de las artes visuales.

Esta disciplina se dedica a identificar, clasificar, describir, evaluar, interpretar y comprender las obras artísticas y el desarrollo histórico de las diversas formas de expresión. Entre estas se encuentran la pintura, la escultura, la arquitectura, las artes decorativas, el dibujo, el grabado, la fotografía y el interiorismo.

¿Qué es el arte?

La creación humana con valores estéticos (belleza, equilibrio, armonía, rebeldía) que sintetizan sus emociones, su historia, sus sentimientos y su cultura.

¿Quién crea arte?

La gente crea arte como forma de vida, para dar a conocer al mundo lo que piensa, para expresar sus creencias (o las de otros), para estimularse y entretenerse a sí mismos y a los demás, y para explorar nuevas formas de ver e interpretar objetos y escenas.

Entonces, ¿qué es el estilo? ¿Por qué etiquetamos los estilos artísticos?

El estilo es la forma en que aparece la obra después de que el artista haya tomado sus decisiones. Los críticos e historiadores suelen clasificarlas y etiquetarlas.

¿Cómo podemos observar los cambios en el mundo a través del arte?

Podemos conocer el tipo de arte que se hizo, cuándo, dónde y cómo. Así comprendemos los cambios que ha experimentado el mundo.

¿Qué es la historia del arte?

La historia del arte es un área de conocimiento que estudia las artes visuales a lo largo del tiempo, analizando sus orígenes, evolución, estilos, técnicas, contextos culturales y significados. Va más allá de la simple apreciación estética: busca comprender cómo las obras reflejan la sociedad, la política, la religión, la filosofía y los valores de una época.

Entre sus investigaciones, destacan las siguientes producciones:

• Pintura.
• Escultura.
• Arquitectura.
• Dibujo.
• Grabado.
• Artes decorativas.
• Fotografía.
• Diseño, entre otros.

La Historia del Arte también estudia a los artistas, sus biografías, influencias y movimientos artísticos (como el Renacimiento, el Barroco, el Modernismo, etc.), así como los cambios que se han producido en las formas de producir y pensar el arte a lo largo de los siglos.

En definitiva, es una disciplina que pone en relación el arte y la historia, y nos ayuda a comprender mejor tanto las obras de arte como los momentos históricos en los que fueron creadas.

La historia del arte se ha dividido en los siguientes periodos:

1. Prehistoria

• Paleolítico inferior.
• Paleolítico superior.
• Neolítico.
• Edad de los Metales

2. Antiguo

• Egipcio
• Griego
• Romano
• Paleocristiano.
• Bizantino.
• Islámico.

3. Edad Media

• Románico
• Gótico.

4. Edad Moderna

• Renacimiento.
• Maneirismo.
• Barroco.
• Rococó.

5. Contemporáneo

• Neoclásico
• Romántico.
• Realismo
• Impresionismo.
• Expresionismo.
• CUBISMO
• Abstracción.
• Fauvismo.
• Constructivismo.
• Surrealismo.
• Dadaísmo.
• Arte pop
• Arte pop Instalación
• Instalación
• INTERFERENCIA
• Cobra
• Futurismo
• Arte naïf.
• Pintura metafísica.

1. Prehistoria

La Prehistoria corresponde al periodo previo a la invención de la escritura, desde el comienzo de la historia registrada hasta aproximadamente el 3500 a. C.

Paleolítico inferior.

Hasta el 25 000 a. C.

La principal característica de los dibujos de la Edad de Piedra Astillada es el naturalismo.

El artista pintaba seres o animales, por ejemplo, desde una determinada perspectiva, reproduciendo la naturaleza tal y como la veía.

Este arte lo realizaban los cazadores, que utilizaban pinturas rupestres, es decir, pinturas realizadas en rocas y paredes de cuevas. Los habitantes de esta época eran nómadas.

Paleolítico superior.

Los artistas del Paleolítico superior también trabajaron la escultura.

Sin embargo, en pintura y escultura predominan las figuras femeninas, mientras que las masculinas están ausentes. Destaca la Venus de Willendorf.

Neolítico.

El Neolítico duró desde el 10 000 a. C. hasta aproximadamente el 3000 a. C. y fue una de las etapas de la Prehistoria.

El asentamiento del hombre de la Edad de Piedra Pulida se garantizó mediante el cultivo de la tierra y el mantenimiento de los rebaños.

Su poder de observación fue sustituido por la abstracción y la racionalización. Comenzaron a representarse las vidas colectivas.

El santuario de Stonehenge, en el sur de Inglaterra, es la primera obra arquitectónica registrada en la historia.

1.4 Edad de los metales

Aparición de la metalurgia, las ciudades, la rueda, la escritura y el arado de bueyes.

• La Edad de los Metales fue un periodo de transición entre la Prehistoria y la Edad Antigua, por lo que constituye el final de la Prehistoria.
• Se caracterizó por el uso de la tecnología metalúrgica, que incluía el bronce y el hierro.
• Entre sus características destacan el uso de metales para elaborar utensilios, armas, arte y tecnología, así como el florecimiento de civilizaciones antiguas, como la mesopotámica.
• Sus periodos fueron la Edad del Cobre (Calcolítico), la Edad del Bronce y la Edad del Hierro, cada uno de los cuales marcó distintos avances tecnológicos y culturales.
• Supuso la transición de la Prehistoria a la Edad Antigua.
• Entre sus descubrimientos destacan la creación de aleaciones metálicas, técnicas metalúrgicas avanzadas, sistemas de escritura y la transformación de las sociedades antiguas.
• Las principales diferencias entre el Paleolítico, el Neolítico y la Edad de los Metales tuvieron que ver con la transición de cazadores-recolectores nómadas a agricultores sedentarios, el avance tecnológico de la metalurgia y la complejización de las sociedades urbanas.

2. ARTE ANTIGUO

El arte antiguo hace referencia a los numerosos tipos de arte producidos por las culturas avanzadas de las sociedades antiguas con diferentes formas de escritura, como las de China, India, Mesopotamia, Persia, Palestina, Egipto, Grecia y Roma.

El arte de las sociedades que no utilizaban la escritura se denomina arte prehistórico y no se trata aquí.

Aunque algunas culturas precolombinas desarrollaron la escritura varios siglos antes de la llegada de los europeos, por razones de datación se tratan en arte precolombino y en artículos como arte maya, arte azteca y arte olmeca.

2.1 Egipcio

La religión impregnaba toda la vida y la producción artística egipcias.

Los egipcios creían en una vida después de la muerte.

La base ideológica del arte egipcio era la glorificación de los dioses y del rey difunto divinizado, para el que se construían templos funerarios y tumbas grandiosas.

2.1.1 Arquitectura

Las pirámides del desierto de Guiza son las obras arquitectónicas más famosas.

Estas son las características generales de la arquitectura egipcia:

• — Solidez y durabilidad.
• Sensación de eternidad.
• Aspecto misterioso e impenetrable.

Los templos más significativos son Karnac y Luxor, ambos dedicados al dios Amón. Los monumentos más representativos del arte egipcio son las tumbas.

2.1.2. LA ESCULTURA

Los faraones y los dioses suelen representarse de frente, sin mostrar ninguna emoción.

A menudo exageraban las proporciones del cuerpo humano, de modo que las figuras representadas transmitían una impresión de fuerza y majestuosidad.

Los propios jeroglíficos solían transcribirse en bajorrelieve.

2.1.3 Pintura

La decoración colorista era un poderoso elemento complementario de las actitudes religiosas. Sus características generales son la ausencia de tres dimensiones y la ignorancia de la profundidad. Los personajes más importantes se representaban en este orden: el rey, la reina, el sacerdote, los soldados y el pueblo.

2.2 EL ARTE GRIEGO

El arte griego está ligado a la inteligencia, ya que sus reyes no eran dioses, sino seres inteligentes y justos que se dedicaban al bienestar del pueblo y al disfrute de la vida presente.

En su constante búsqueda de la perfección, predominaban el ritmo, el equilibrio y la armonía ideal.

2.2.1 Arquitectura

Los edificios que despertaron mayor interés fueron los templos.

El más importante es el Partenón de Atenas.

Las columnas se clasifican en órdenes:

• El orden dórico es simple y macizo, mientras que el jónico representa la gracia y lo femenino.
• El orden jónico representaba la gracia y lo femenino.
• El orden corintio sugiere lujo y ostentación.

2.2.2 Pintura

La pintura griega se encuentra en el arte cerámico. Los vasos se utilizaban para almacenar agua, vino, aceite de oliva y comestibles, entre otras cosas.

Por lo tanto, su forma correspondía a su función.

2.2.3. LA ESCULTURA

La estatuaria griega representa el nivel más alto jamás alcanzado por el ser humano. En escultura, el antropomorfismo —escultura de formas humanas— era insuperable. Además de equilibrio y perfección de las formas, las estatuas adquirían movimiento.

• En el periodo arcaico aparecen esculturas simétricas en estricta posición frontal.
• En el periodo clásico se busca el movimiento en las estatuas. Surgió el desnudo femenino, ya que en la época arcaica las figuras de mujeres siempre estaban vestidas.
• En el periodo helenístico se produce el auge del naturalismo, por lo que el ser humano se representa también por sus emociones y el estado de ánimo del momento.

2.3 EL ARTE ROMANO

El arte romano sufrió dos fuertes influencias:

• Por un lado, la del arte etrusco, con su enfoque en la realidad vivida, y por otro, la del uso del arco y la bóveda.
• El arte grecohelenístico, con su ideal de belleza.

2.3.1. ARQUITECTURA

Las características generales de la arquitectura romana son las siguientes:

— Búsqueda de lo inmediatamente útil. — Sentido del realismo. — Grandeza material. — Acentuación de la idea de fuerza.

Había cinco tipos de edificios según su función:

• Religión: templos, como el Panteón, construido en Roma durante el reinado del emperador Adriano para reunir a la gran variedad de dioses que existían en todo el Imperio.
• Comercio y civismo: la basílica, de planta rectangular, era la sede del comercio.
• Higiene: termas. Las termas eran el centro social de Roma.
• Entretenimiento: circo, teatro y anfiteatro.
• Monumentos decorativos: Arco del Triunfo y Columna Triunfal.
• Viviendas: se construyeron alrededor de un patio llamado atrio.

2.3.2 Pintura

Los mosaicos se utilizaban mucho para decorar. Lo que hoy conocemos procede de las ciudades de Pompeya y Herculano, sepultadas por la erupción del Vesubio en el año 79 a. C.

2.3.3 LA ESCULTURA

Como los romanos eran realistas y prácticos, sus esculturas eran una representación fiel de las personas y no un ideal de belleza humana, como habían hecho los griegos.

Con la invasión de los bárbaros surgió el interés por las artes. Este hecho marcó el principio del declive del Imperio romano, que perdió el control de su vasto territorio occidental en el año 476, precisamente en el siglo V.

2.4 EL PALEOCRISTIANISMO

Los cristianos (aquellos que seguían las enseñanzas de Jesucristo) empezaron a crear un arte sencillo y simbólico ejecutado por personas que no eran grandes artistas. Debido a la persecución, la pintura se volvió simbólica.

En el año 313 d. C., el emperador Constantino legalizó el cristianismo, lo que dio lugar a la segunda fase del arte paleocristiano: la fase basilical.

Los romanos les cedieron algunas basílicas para que las utilizaran como sedes de sus celebraciones.

2.5 Bizantina

Alrededor del siglo IV comenzó la invasión de pueblos bárbaros en el Imperio romano, lo que llevó a Constantino a trasladar la capital del Imperio a Bizancio, una ciudad griega que más tarde sería conocida como Constantinopla.

Este hecho propició la aparición del primer estilo de arte cristiano: el arte bizantino, un nuevo estilo rico tanto en técnica como en colorido.

El arte bizantino estaba dirigido por la religión.

El régimen era teocrático y el emperador ostentaba poderes administrativos y espirituales.

El mosaico es la máxima expresión del arte bizantino.

Las personas están representadas de frente y de manera verticalizada para crear cierta espiritualidad; no se utiliza la perspectiva ni el volumen y se abusa del oro por su asociación con el mayor bien de la tierra.

La arquitectura eclesiástica recibe la mayor atención en el arte bizantino, con una planta de base circular, octogonal o cuadrada. Estas tenían enormes cúpulas.

La Iglesia de Santa Sofía (Sofía significa «sabiduría») fue uno de los mayores triunfos de la nueva técnica bizantina.

En este periodo, la escultura no era tan prominente. Lo que se puede encontrar son solo bajorrelieves decorativos.

El arte bizantino alcanzó su apogeo en el siglo VI, durante el reinado del emperador Justiniano. Sin embargo, pronto le siguió un periodo de crisis conocido como la «iconoclasia». Consistía en la destrucción de cualquier imagen sagrada debido al conflicto entre los emperadores y el clero.

El arte bizantino no se extinguió con la toma de Constantinopla por los turcos en 1453. Este arte trascendió con creces los límites territoriales del imperio y llegó, por ejemplo, a los países eslavos.

2.6 ISLÁMICO

En el año 622, el profeta Mahoma se exilió en Medina.

De origen nómada, los musulmanes tardaron algún tiempo en establecerse definitivamente y sentar las bases de una estética propia. Absorbieron rasgos estilísticos de los pueblos que conquistaron. Así fue como las cúpulas bizantinas coronaron sus mezquitas.

En el ámbito sagrado se evitaba el arte figurativo y se concentraba en lo geométrico y abstracto, más simbólico que trascendental. De ahí el uso de formas como los arabescos.

2.6.1. ARQUITECTURA

Las mezquitas siguen el modelo de la casa de Mahoma en Medina.

El agrimensor era tan importante como el arquitecto. Las residencias de los emires eran el hábitat privado del gobernante.

2.6.2 Alfombras

Como pueblos nómadas, eran los únicos materiales utilizados para decorar el interior de las tiendas. A medida que se hicieron sedentarios, las sedas, los brocados y las alfombras empezaron a decorar palacios y castillos, además de cumplir una función fundamental en las mezquitas, ya que los musulmanes no deben estar en contacto con la tierra cuando rezan.

2.6.3 Pintura y grafismo

La pintura islámica está representada por frescos y miniaturas.

El arte de los mosaicistas está estrechamente vinculado a la pintura. La cerámica desempeñó la misma función y se generalizó a partir del siglo XII, alcanzando su esplendor en España, donde se crearon piezas de uso cotidiano.

3. EL ARTE EN LA EDAD MEDIA

Periodo de la historia europea que va desde el colapso de la civilización romana en el siglo V d.C. hasta el Renacimiento (según diversas interpretaciones, comienza en los siglos XIII, XIV o XV, dependiendo de la región de Europa y de otros factores).

3.1 Románico

3.1.1 Arquitectura

A finales de los siglos XI y XII surgió en Europa el arte románico, cuya estructura era similar a la de los edificios de la antigüedad romana.

Las características más significativas de la arquitectura románica son: bóvedas que sustituyen al tejado de las basílicas, pilares macizos que sostienen los gruesos muros y escasas y estrechas aberturas utilizadas como ventanas.

Lo primero que llama la atención de las iglesias románicas es su gran tamaño. Siempre son grandes y sólidas. Por eso se llaman «fortalezas de Dios».

Se trata esencialmente de un estilo clerical. El más famoso es la catedral de Pisa, cuyo campanario es el edificio más conocido.

3.1.2 Pintura y escultura

La pintura románica se desarrolló sobre todo en grandes decoraciones murales, utilizando la técnica del fresco, que era originalmente una técnica de pintura sobre un muro húmedo.

La figura de Cristo siempre es más grande que las demás que le rodean.

El colorismo consistía en el uso de colores planos, sin preocuparse por los medios tonos o los juegos de luces y sombras, ya que no se pretendía imitar a la naturaleza.

Los mosaicos, sobre todo los azules y dorados, se utilizaban principalmente en las iglesias.

3.2 GÓTICO

En el siglo XII, entre 1150 y 1500, se inicia una economía basada en el comercio y la burguesía urbana. Estos cambios provocaron una profunda revolución en el arte de diseñar y construir grandes edificios.

3.2.1. Arquitectura

La primera diferencia que observamos entre una iglesia gótica y una románica es la fachada. En la románica, tenemos un solo portal, mientras que en la gótica tenemos tres. El rosetón es un elemento arquitectónico característico del estilo gótico.

Otros elementos característicos de la arquitectura gótica son los arcos ojivales y los arcos góticos, que filtran la luz al interior de la iglesia a través de las vidrieras de colores vivos. Las catedrales góticas más conocidas son las de Notre Dame de París y Notre Dame de Chartres.

3.2.2 LA ESCULTURA

Las esculturas están vinculadas a la arquitectura y se extienden hacia arriba.

3.2.3 ILUMINACIONES

Una iluminación es una ilustración sobre pergamino de libros manuscritos. El grabado todavía no se había inventado.

3.2.4 LA PINTURA

Los principales artistas de la pintura gótica fueron los precursores de la pintura renacentista.

Un ejemplo de esto es la identificación de la figura de los santos con los seres humanos, en una visión humanista del mundo.

4. El arte en la Edad Moderna

4.1 El Renacimiento

Además de revivir la antigua cultura grecorromana, este periodo fue testigo de numerosos avances e innumerables logros en las artes, la literatura y las ciencias que superaron la herencia clásica.

El humanismo, con su ideal de valorización del ser humano y la naturaleza frente a lo divino y lo sobrenatural, conceptos que habían impregnado la cultura de la Edad Media, fue una de las características generales de este periodo.

Características generales:

• Racionalidad.
• Dignidad del ser humano.
• Rigor científico.
• Ideal humanista.
• 4.1. Reutilización de las artes grecorromanas.

4.1.1. Arquitectura

En la arquitectura renacentista, la distribución del espacio del edificio se basa en relaciones matemáticas (geometría, perspectiva).

4.1.2 Pintura

Características principales: perspectiva, uso del claroscuro y realismo. Los artistas del Renacimiento ya no ven al hombre como un simple observador del mundo que expresa la grandeza de Dios, sino como la más grandiosa expresión de Dios mismo.

El mundo se concibe como una realidad que hay que comprender científicamente y no solo admirar. Comienza el uso del lienzo y la pintura al óleo.

Otra característica del arte renacentista, especialmente de la pintura, fue la aparición de artistas con un estilo personal, diferente del resto, ya que la época estuvo marcada por el ideal de libertad y, en consecuencia, de individualismo.

Los principales pintores fueron:

• Botticelli: sus cuadros son bellos porque manifiestan la gracia divina. Entre sus obras más destacadas se encuentran La Primavera y El nacimiento de Venus.
• Leonardo da Vinci dominó un expresivo juego de luces y sombras. Parte de la realidad, pero estimula la imaginación del espectador. Entre sus obras más destacadas se encuentran La Virgen de las Rocas y La Gioconda.
• Miguel Ángel pintó el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano. Entre sus obras más notables se encuentran el techo de la Capilla Sixtina y La Sagrada Familia.
• Rafael: sus obras transmiten al espectador una sensación de orden y seguridad.

Obras destacadas: La Escuela de Atenas y Madonna de la Mañana.

4.1.3. LA ESCULTURA

Los papas, protectores de las artes, fijaron su residencia en el Vaticano.

En ella se revelan grandes escultores, el más destacado de los cuales es Miguel Ángel, que dominó toda la escultura italiana del siglo XVI. Entre sus obras destacan el Moisés, el David (4,10 metros) y la Piedad.

Principales características:

• Su objetivo era representar al ser humano tal y como es en la realidad.
• Proporción de la figura en relación con la realidad.
• Profundidad y perspectiva.
• Estudio del cuerpo y el carácter humanos.

4.2 EL MANIERISMO

Paralelamente al Renacimiento clásico, entre 1520 y 1610 se desarrolló en Roma un movimiento artístico que se distanciaba conscientemente del modelo de la antigüedad clásica: el manierismo (maniera significa «manera» en italiano).

Se caracteriza por una clara tendencia hacia la estilización exagerada y una caprichosa atención al detalle.

Comienzan a formarse los grandes imperios y el ser humano deja de ser la medida del universo.

Pintores, arquitectos y escultores se ven obligados a abandonar Roma y se establecen en otras ciudades. Utilizando los mismos elementos del Renacimiento, crearon un arte caracterizado por laberintos, espirales y extrañas proporciones.

4.2.1 ARQUITECTURA

La arquitectura manierista priorizó la construcción de iglesias de planta longitudinal, con espacios más largos que anchos, con la cúpula principal sobre el crucero, tanto en la distribución de la luz como en la decoración.

4.2.2 LA PINTURA

Fue en la pintura donde se manifestó por primera vez el espíritu manierista, que buscaba deformar una realidad que ya no les satisfacía e intentaba revalorizar el arte por el arte mismo.

Entre sus características principales destacan la tensión permanente, las formas esbeltas y alargadas y los rostros melancólicos. Los verdaderos protagonistas del cuadro ya no se sitúan en el centro de la perspectiva, sino en algún lugar de la arquitectura, donde el ojo atento debe buscarlos con dificultad.

Artista principal: El Greco.

4.2.3 Escultura

En escultura, el manierismo sigue el camino trazado por Miguel Ángel. Sus características principales son el equilibrio aparentemente frágil y la gracia del conjunto.

4.3 Barroco

El arte barroco se originó en Italia en el siglo XVII, pero pronto se extendió a otros países europeos y también al continente americano, traído por los colonizadores portugueses y españoles.

Las obras barrocas rompieron el equilibrio entre sentimiento y razón, o entre arte y ciencia. En el arte barroco predominan las emociones frente al racionalismo del arte renacentista.

Fue una época marcada por conflictos espirituales y religiosos. El ser humano se debate constantemente entre el paganismo y el cristianismo, y lo espiritual frente a lo material.

4.3.1 LA PINTURA

Características de la pintura barroca: composición diagonal, marcado contraste entre claros y oscuros (expresión de sentimientos) y realismo, con representación de todos los estratos sociales. Italia fue el centro irradiador de este estilo.

Entre los pintores barrocos italianos destacan Caravaggio y Andrea Pozzo.

Entre los pintores más representativos de otros países europeos se encuentran: Velázquez (español), Rubens (español), Rembrandt (holandés).

4.3.2. ESCULTURA

Predominan las líneas curvas, los drapeados y el uso del oro. Los gestos y rostros de los personajes revelan emociones violentas y alcanzan un dramatismo nunca antes visto en el Renacimiento.

4.3.3 ARQUITECTURA

La Iglesia católica patrocinó esta corriente arquitectónica, ya que invirtió en obras ricas y suntuosas con las que intentó rescatar a los fieles perdidos por el protestantismo.

Es la arquitectura de la Contrarreforma. Entre las obras profanas destacan el Palacio de Versalles, con su increíble Salón de los Espejos, y el Palacio de Schönbrunn, en Viena.

4.4 ROCOCÓ

El rococó es un estilo artístico surgido en Francia como una rama del barroco, más ligero e intimista que este, y que inicialmente se utilizó en la decoración de interiores. En Francia, el rococó también se denomina «estilo Luis XV y Luis XVI».

Características generales: uso abundante de formas curvas y profusión de elementos decorativos como conchas, lazos y flores.

4.4.1 ARQUITECTURA

Durante la Ilustración, entre 1700 y 1780, el rococó fue la corriente principal del arte y la arquitectura posbarroca.

A principios del siglo XVIII, el centro artístico de Europa se trasladó de Roma a París.

Las principales características fueron:

• Se sustituyeron los colores brillantes por tonos pastel, la luz difusa inundó los interiores a través de numerosas ventanas y el relieve abrupto de las superficies dio paso a texturas suaves.
• La estructura de los edificios se aligeró y el espacio interior se unificó de manera más elegante e íntima.

4.4.2 ESCULTURA

No es posible trazar una línea divisoria clara entre el barroco y el rococó en escultura y pintura.

4.4.3 Pintura

A finales del reinado de Luis XIV, cuando el dominio político y cultural de Francia sobre el resto de Europa se afianza, aparecen las primeras pinturas rococó bajo la influencia de la técnica de Rubens.

5. ARTE CONTEMPORÁNEO

5.1 Neoclásico

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se impuso una nueva corriente estética. Se trataba del academicismo o neoclasicismo, que se hizo fuerte con la nueva y poderosa burguesía surgida con el Imperio de Napoleón.

Sus características principales eran:

• Retorno al pasado mediante la imitación de modelos grecolatinos antiguos.
• Academicismo en temas y técnicas, es decir, sometimiento a los modelos y reglas enseñados en las escuelas o academias de bellas artes.
• El arte entendido como imitación de la naturaleza, en un verdadero culto a la teoría de Aristóteles.

5.1.1 ARQUITECTURA

Siguió el modelo de los templos grecorromanos o los edificios del Renacimiento italiano.

5.1.2 Pintura

La pintura de este periodo se inspira principalmente en la escultura griega clásica y en la pintura renacentista italiana, especialmente en Rafael, maestro indiscutible de la composición equilibrada.

5.2 ROMÁNTICO

El siglo XIX se vio sacudido por fuertes cambios sociales, políticos y culturales provocados por la Revolución Industrial de finales del siglo XVIII.

Asimismo, la actividad artística se volvió más compleja.

Los artistas románticos trataron de liberarse de las convenciones académicas en favor de la libre expresión de la personalidad del artista.

Características generales: la exaltación de los sentimientos y la imaginación, el nacionalismo, la naturaleza como principio de la creación artística y la representación de los sentimientos del presente.

5.2.1 ARQUITECTURA

La principal característica arquitectónica es la revalorización del estilo gótico, considerado un estilo genuinamente europeo.

Obra destacada: Edificio del Parlamento inglés.

5.2.2 Pintura

Temas de la pintura: acontecimientos reales de la historia nacional y contemporánea, la vida de los artistas y la naturaleza, que revela un dinamismo equivalente a las emociones humanas.

Principales artistas: Goya, Turner y Delacroix.

5.3 REALISMO

Entre 1850 y 1900 surgió una nueva corriente estética denominada realismo en las artes europeas, especialmente en la pintura francesa, que se desarrolló en paralelo a la creciente industrialización de las sociedades.

El hombre europeo se convenció de que debía ser realista, incluso en sus creaciones artísticas, dejando de lado las visiones subjetivas y emotivas de la realidad.

Las características generales son: el cientificismo, la valorización del objeto, la sobriedad y la minuciosidad, la expresión de la realidad y la descripción.

5.3.1. ARQUITECTURA

Los arquitectos e ingenieros intentan responder adecuadamente a las nuevas necesidades urbanas.

Las ciudades ya no necesitan ricos palacios y templos. Necesitan fábricas, estaciones, ferrocarriles, almacenes, tiendas, bibliotecas, escuelas, hospitales y viviendas para los trabajadores y para la nueva burguesía.

En 1889, Gustave Eiffel erigió la Torre Eiffel en París, que hoy es el logotipo de la «Ciudad de la Luz».

5.3.2 ESCULTURA

Auguste Rodin buscaba recrear a los seres tal y como son. Su objetivo era capturar el momento significativo de un gesto humano.

Algunas de sus obras notables son Balzac, El burgués de Calais, El beso y El pensador.

5.3.3 Pintura

Características de la pintura:

• La realidad se estudia con la misma objetividad con la que un científico estudia un fenómeno natural.
• El artista no debe intentar «mejorar» artísticamente la naturaleza, porque la belleza reside en la realidad tal como es.
• Su objetivo es revelar los aspectos más característicos y expresivos de la realidad.

Principales pintores: Courbet y Jean-François Millet.

5.4 El impresionismo

El impresionismo fue un movimiento artístico que revolucionó la pintura y dio origen a las principales tendencias del arte del siglo XX.

Características principales:

• La pintura debe reflejar las tonalidades que adquieren los objetos al reflejarse la luz del sol en un momento determinado.
• Las figuras no deben tener contornos nítidos, ya que la línea es una abstracción utilizada por el ser humano para representar imágenes.
• Las sombras deben ser brillantes y coloridas, como nos impresionan visualmente, y no oscuras ni negras, como solían representarlas los pintores en el pasado.
• Los colores y tonos no deben obtenerse mezclando las pinturas de la paleta del pintor. Es el espectador quien, al admirar el cuadro, combina los distintos colores para obtener el resultado final. Por tanto, la mezcla ya no es una técnica, sino un proceso óptico.

La primera vez que el público entró en contacto con la obra de los impresionistas fue en una exposición colectiva celebrada en París en abril de 1874. Sin embargo, el público y la crítica reaccionaron muy mal ante el nuevo movimiento, ya que seguían siendo fieles a los principios académicos de la pintura.

Principales artistas: Monet, Renoir y Seurat.

5.5 Expresionismo

El expresionismo es el arte del instinto, una pintura dramática y subjetiva que «expresa» los sentimientos humanos. Predominan los valores emocionales sobre los intelectuales.

Estas son algunas de sus características principales:

• Investigación en el ámbito psicológico.
• Colores brillantes y vibrantes, fundidos o separados.
• Preferencia por lo patético, trágico y sombrío. La obra de Van Gogh.

Principales artistas: Gauguin, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Modigliani y Van Gogh.

5.6 Cubismo

Históricamente, el cubismo tiene su origen en la obra de Cézanne. Sin embargo, los cubistas fueron más allá. Empezaron a representar objetos con todas sus partes en el mismo plano.

El cubismo no representa, sino que sugiere la estructura de los cuerpos u objetos.

Estas son sus características principales:

• Geometrización de formas y volúmenes.
• Renuncia a la perspectiva.
• El claroscuro deja de tener una función.
• Y se crean sensaciones táctiles en el espectador.

Principales artistas: Picasso, Braque.

5.7. ABSTRACCIÓN

Cuando el significado de un cuadro depende esencialmente del color y de la forma, cuando el pintor rompe los últimos lazos que unen su obra a la realidad visible, esta se vuelve abstracta.

Artistas principales: Kandinsky, Paul Klee.

5.8 Fauvismo

En 1905, en el Salón de Otoño de París, algunos artistas fueron llamados fauves (que significa «bestias») por la intensidad con la que utilizaban los colores puros.

Los principios de este movimiento artístico eran los siguientes:

• Crear en arte no tiene relación con el intelecto ni con los sentidos.
• Crear es seguir los impulsos del instinto y las sensaciones primarias.

Artista destacado: Henri Matisse.

5.9 CONSTRUCTIVISMO

Se trata de un abstracto geométrico que busca el movimiento perspectivo vibrante a través de colores y líneas. Sintetiza las teorías abstractas y científicas del arte moderno. Se trata de una pintura en dos dimensiones.

Artista destacado: Mondrian

5.10. Surrealismo.

En las dos primeras décadas del siglo XX, los estudios psicoanalíticos de Freud y la incertidumbre política crearon un clima propicio para el desarrollo de un arte que criticaba la cultura europea y la frágil condición humana ante un mundo cada vez más complejo.

El surrealismo fue, por excelencia, la corriente artística moderna que representó lo irracional y el subconsciente.

A través del automatismo, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejercía control alguno, los surrealistas intentaron moldear las imágenes de la realidad más profunda del ser humano: el subconsciente.

Principales artistas: Salvador Dalí, Joan Miró.

5.11. Dadaísmo

Formado en 1916 en Zúrich por jóvenes franceses y alemanes que, de haber permanecido en sus respectivos países, habrían sido reclutados para el servicio militar, el dadaísmo fue un movimiento de negación.

Su propuesta era que el arte se liberara de las restricciones racionalistas y fuera simplemente el resultado del automatismo psíquico, seleccionando y combinando elementos al azar.

La actividad de grupo del dadaísmo llegó a su fin hacia 1921.

5.12. Op art

La expresión «op-art» procede del inglés optical art y significa «arte óptico».

Parece excesivamente cerebral y sistemático, más cercano a las ciencias que a las humanidades. Por otra parte, sus posibilidades parecen tan limitadas como las de la ciencia y la tecnología.

5.13. ARTE POP

Movimiento, principalmente estadounidense y británico, para designar los productos de la cultura popular de la civilización occidental, especialmente los procedentes de Estados Unidos.

Representaban los componentes más ostentosos de dicha cultura. El pop. Transformó lo que se consideraba vulgar en algo más refinado y acercó el arte a las masas, ya que utilizaba objetos propios para desmitificar el arte y hacerlo accesible a todos.

5.14. INSTALACIÓN

Se trata de ampliaciones de ambientes que se transforman en decorados del tamaño de una habitación. El espectador participa en la obra, no solo la aprecia.

5.15. INTERFERENCIA

Algunos artistas intervienen en el paisaje colocando cortinas, sombrillas o envoltorios en lugares públicos.

5.16. COBRA

Movimiento artístico creado en los Países Bajos, acrónimo de Copenhague-Bruselas-Ámsterdam. Esta pintura es gestual, libre y violenta en su elección de colores y texturas.

5.17. FUTURISMO

Para los futuristas, los objetos no se limitan a sus contornos y aspectos aparentes, sino que se entremezclan continuamente en el mismo espacio o en varios a la vez. «El esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza: la belleza de la velocidad. Un coche de carrera es más bello que la Victoria de Samotracia».

El futurismo es la materialización de esta investigación en el espacio bidimensional. Este estilo pretende expresar el movimiento real registrando la velocidad descrita por las figuras en movimiento.

Al artista futurista no le interesa pintar un coche, sino captar la velocidad que este describe en el espacio.

5.18. ARTE NAÍF

Es el arte de la espontaneidad, de la creatividad auténtica, de la creación artística sin escuela ni guía, por lo tanto, es instintivo. El arte naïf está próximo al arte infantil, al arte de los enfermos mentales y al arte primitivo, pero no debe confundirse con ninguno de ellos.

5.19. PINTURA METAFÍSICA

El objetivo es crear una impresión de misterio. Se inspira en la Metafísica, la ciencia que estudia todo lo que se manifiesta de forma sobrenatural.

Historia del arte: características, aspectos y periodos.

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